Musées et art

Rijksmuseum à Amsterdam

Rijksmuseum à Amsterdam

Sur le talus de l'un des canaux d'Amsterdam, un immense bâtiment s'étend sur un bloc entier. Le bâtiment ne diffère pas par ses mérites architecturaux particuliers, mais entre naturellement dans l'aspect général de la ville. il Le Rijksmuseum est l'un des plus grands musées d'art au monde..

Déjà au milieu du siècle dernier, cinquante ans après la création du musée, il était clair que le beau vieux Trippenhays, dans lequel il se trouvait, ne pouvait pas accueillir des collections en croissance rapide. En 1876 - 1885, l'architecte Kuypers a construit un bâtiment géant en briques. À plusieurs reprises rénové et refait à l'intérieur, il continue de servir à ce jour.

Amsterdam Rijksmuseum (Appel du Rijksmuseum) - Il s'agit d'un musée de l'histoire de l'art du nord des Pays-Bas. Dans ses salles, vous pouvez avoir une idée inhabituellement large du développement artistique du pays. Comme déjà mentionné, peu de choses ont été conservées ici depuis le Moyen Âge. Ce n'est que depuis le XVe siècle que nos informations sur le développement artistique de ces terres deviennent plus ou moins détaillées et complètes. Le musée présente des exemples de sculptures en bois et en pierre qui ornaient autrefois les autels des églises, des œuvres de bijoutiers et des vêtements brodés d'or du clergé.

Mais le plus grand intérêt est sans aucun doute la peinture. Déjà au XVe siècle, la peinture de chevalet était un domaine artistique de premier plan dans le nord des Pays-Bas, et les œuvres de chevalet sont bien mieux adaptées aux expositions de musée que les peintures murales ou les sculptures monumentales conçues pour décorer un bâtiment particulier. Ces derniers perdent une partie de leur expression artistique lors de leur transfert au musée, arrachés à l'environnement architectural d'origine. En raison de la prédominance des œuvres de chevalet, l'art hollandais peut être présenté au musée plus complètement que l'art de nombreux autres pays.

Aux XV-XVI siècles, la culture et l'art du nord et du sud des Pays-Bas (c'est-à-dire la Hollande et la Belgique modernes) sont plus ou moins un tout, et les écoles locales du Nord sont fortement influencées par les grands centres d'art qui fleurissent au Sud. Tout comme nous appelons la Hollande du Nord des Pays-Bas, le nom de la Flandre la plus importante et la plus avancée des régions qui y sont incluses est généralement étendu au Sud des Pays-Bas. Déjà à cette époque précoce, les peintres hollandais se distinguent de leurs homologues flamands par leur plus grande intimité, simplicité et immédiateté de leurs œuvres.

Dans le Nord, le premier artiste majeur dont nous connaissons le travail était Gertchen that Sint Jane (c'est-à-dire "le petit Gerrit du monastère de Saint-Jean"). Gertchen a travaillé à Harlem dans les années 80 du XVe siècle; il y a encore conservé une petite église sombre du monastère, dans laquelle il était novice.

Parmi les premiers tableaux achetés en 1808 sur commande Louis Napoléon, il y avait une chose curieuse incluse dans l'inventaire du musée sous le nom suivant: «Jan van Eyck. Temple gothique avec figures". Jan van Eyck, le grand fondateur de l'école de peinture hollandaise, auteur de l'autel de Gand, était à l'époque presque le seul artiste hollandais du XVe siècle dont le nom était largement connu des collectionneurs; il était crédité de tout ce qui semblait assez vieux. Cette fois, il était considéré comme l'auteur de "St. famille »travail Gerthen.

Écrit sur une petite planche de bois, l'œuvre de Gertchen ne reproduit pas le texte canonique de l'Évangile, mais une légende apocryphe. Selon cette légende, sv. Anna, la mère de Marie, a eu deux autres filles, dont les enfants sont devenus plus tard des apôtres - disciples du Christ.

À l'intérieur de l'église gothique (l'église est «la maison de Dieu»), l'artiste place la vieille Anna, ses trois filles, leurs maris et leurs enfants. Non seulement les enfants, mais aussi les adultes se distinguent par une sérénité et une naïveté évidentes. Les femmes allaitent des bébés, la vieille Anna se repose de la lecture, pose ses lunettes sur le livre ouvert. Sur le sol en pierre d'un temple élancé, au milieu de l'image, se trouvent trois petits garçons en longues chemises chaudes et bas de laine avec des taches rouges sur les talons; mais les futurs apôtres Paul, Jacques et Jean jouent avec leurs attributs - une épée, un tonneau et une coupe. Ils ont le charme des enfants vivants drôles. Avec une délicieuse spontanéité innocente, Gertchen combine la réalité et la fantaisie, les détails de tous les jours et la magnifique architecture du temple. Pour lui, tout est intéressant et attrayant - grand et petit. A proximité se trouvent deux autres œuvres de Gertchen: «La racine de Jessé» et «L'adoration des mages» avec son magnifique paysage.

L'œuvre d'un grand artiste néerlandais qui a travaillé dans le dernier quart du XVe siècle et connu sous le nom de Master Virgo inter Virgines. Le «nom» conditionnel de l'anonym vient d'un tableau qui se trouvait encore à la National Art Gallery en 1801 et qui en est venu au Rijksmuseum. Il s'agit de «Marie avec le bébé et la Sainte Vierge», ou en latin «Vierge inter Vierges» («Vierge parmi les jeunes filles»).

Comme la suite des dames de cour, la Mère de Dieu est entourée de saints luxueusement habillés Catherine, Cecilia, Barbara et Ursula. Leurs attributs (la roue sur laquelle Sainte-Catherine est morte; une flèche - un symbole du martyre de Sainte-Ursule) sont transformés en élégants bijoux en or. Les femmes tendres et minces se figèrent dans leurs pensées, dont même un jeu avec un bébé miniature ne pouvait pas les faire sortir. L'artiste répète son type de visage féminin très inhabituel avec un front convexe excessivement grand, des sourcils fins et des paupières mi-ouvertes et légèrement gonflées. Visages pâles, couleurs sombres, souvent grisâtres, parmi lesquelles même la couleur rouge perd sa sonorité - tout cela provoque au spectateur une étrange sensation d'un détachement légèrement triste et froid de tout ce qui est terrestre. Dans sa structure interne, le tableau s'oppose aux œuvres de Gerthen, suspendues dans la même pièce.

Dans le travail des deux maîtres, la fantaisie joue un grand rôle. Pour le Master Virgo inter Virgines, il est raffiné et conventionnel, comme le madrigal d'un poète de cour de l'époque, pour Gertchen il est imprégné d'impressions réelles et se rapproche d'une fantaisie vivante et variée d'un conte populaire. Dans les œuvres de nombreux compatriotes de Gertchen, des scènes de légendes chrétiennes semblent se dérouler dans un environnement entourant l'artiste et qui lui est familier. L'auteur d'une série de tableaux représentant "Les sept œuvres de miséricorde" est particulièrement conforme à ce principe.

La série a été réalisée en 1504 pour église de st. Lawrence à Alkmaar, par conséquent, son auteur est conventionnellement appelé le maître d'Alkmaar. Sept peintures composent la frise. Sur chacun d'eux, des bourgeois pieux, accomplissant l'alliance du Christ, soit donnent des vêtements aux pauvres, soit nourrissent les affamés, soit enterrent les morts, etc. Tout cela se passe dans les rues propres et pavées de la ville hollandaise. Chacune des «œuvres de miséricorde», en raison de sa spécificité quotidienne, ressemble à une scène de genre. Dans la foule des mendiants laids, aveugles et estropiés, il y a une personne qui ne participe pas à l'action, que les autres ne remarquent pas. C'est le Christ. Selon l'artiste et ses clients, il est invisiblement présent ici, rappelant la signification religieuse de ce qui se passe. Le travail sec du Maître d'Alkmaar nous introduit dans le monde de la prose quotidienne et du devoir moral sévère, anticipant à distance certaines caractéristiques de l'art hollandais du 17ème siècle.

Rijksmuseum Il a plusieurs œuvres du plus grand artiste hollandais du début du 16ème siècle - Luke Leiden (peut-être, 1489-1533). Parmi eux, le Sermon dans l'Église est particulièrement intéressant. Le bâtiment de l'église Renaissance ne remplit que les deux tiers de l'arrière-plan; à l'extrême droite, vous pouvez voir la rue où un noble richement vêtu fait l'aumône des pauvres. Au premier plan, le même noble au visage mince et intelligent est représenté debout sur le bord droit de l'image; ôtant son chapeau, il écoute un sermon d'église. Il est possible que l'artiste ait travaillé pour cet homme, et le groupe de personnes autour de lui se compose de portraits de sa famille et de ses amis. Les auditeurs, assis en demi-cercle devant le département, diffèrent sensiblement d'eux: ici, il y a des monstres étranges et un enfant vivant; une belle jeune femme regarde le spectateur avec un sourire, sans prêter attention aux paroles du prédicateur; enfin une autre femme dort, et un petit hibou est assis sur sa tête - un symbole de tricherie et de stupidité dans le folklore néerlandais. Cette étrange scène de genre, pleine de touches obscures, est écrite dans des traits liquides translucides de lumière, de couleurs vagues; et le coup de pinceau et la couleur transmettent l'humeur alarmante caractéristique de la peinture de Luke Leiden.

Le plus grand peintre paysagiste de la première moitié du XVIIe siècle était Jan van Goyen (1596-1656). En 1641, il écrivit son «Long View with Two Oaks». Il s'agit d'une zone sans particularité avec des dunes de sable typiques de la côte néerlandaise. Au sommet de la dune, au pied des vieux chênes maladroits, deux voyageurs s'arrêtent pour se reposer; la figure fuyante du troisième passant mène notre regard au loin, vers la côte plate, où à l'horizon, à gauche, une lueur d'eau scintillante est visible. Les nuages ​​traînent les étendues du ciel, à travers eux un rayon de soleil perce la dune et les puissants troncs semi-secs. L'artiste, pour ainsi dire, les étudie de près, traçant les bosses de l'écorce, le virage intense et presque humainement expressif des nœuds. Dans le même temps, les grands espaces étaient perçus comme leur environnement naturel et cette «parenté» avec un espace infini nous aide à ressentir la grandeur et la puissance des arbres géants.

Avec ses principales sections - art hollandais ancien et peinture hollandaise du XVIIe siècle - Le Rijksmuseum possède une importante collection de peintures hollandaises XVIII, XIX et XX siècles. Parmi les œuvres du XVIIIe siècle sont intéressantes celles de Cornelis Trost (1697-1750), auteur de portraits et de scènes de genre, reproduisant souvent des épisodes de représentations théâtrales. Suivant les traditions du siècle précédent, Trost écrit un immense portrait de groupe des administrateurs du refuge d'Amsterdam (1729). Cependant, beaucoup plus intéressant et attrayant est une petite esquisse de l'un des administrateurs - Jan Lepeltak, accroché dans la même salle. Il s'écrit facilement et naturellement. Plus que dans un grand portrait, l'influence de la tradition picturale nationale est perceptible.

Il y a des œuvres de maîtres étrangers au Rijksmuseum - Italiens, Espagnols, Flamands. Il y en a peu, mais certains ne peuvent pas passer inaperçus: portraits jumelés de l'architecte florentin Giuliano da Sangallo et de son père Francesco Giamberti, œuvres de Piero di Coeimo (1462-1521), La Crucifixion d'El Greco (1541-1614), quelques portraits de Van Dyck (1599-1641), "Portrait de Don Ramon Satue" (1823), Goya (1746-1828), etc. Cependant, aussi intéressants soient-ils, ils ne sont qu'une branche latérale secondaire dans la collection du Rijksmuseum.

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